Ingrid Picanyol

septiembre 29, 2016

Para comenzar por el principio ¿Cómo entraste realmente en el ámbito del diseño?
Puede que fuera durante una época en la que me gastaba la paga semanal en material de papelería inútil. O el día que le envié una nota amenazando de muerte a mi vecina recortando letras de un periódico. O el momento que, tras decidir abandonar el diseño por la cerámica, el diseño me encontró de nuevo a mi. Pero creo que el dia en que realmente entré fue cuando, durante la carrera de fotografía, nos encargaron diseñar nuestra propia tarjeta de visita. Fue el día más feliz de toda la carrera. Y una gran revelación.

¿Cuáles son tus referencias? ¿Admira trabajo o diseñadores que influyeron en tus ideas sobre el diseño?
Admiro el trabajo de muchos diseñadores/as, sobretodo aquellos/as a quienes les interesa el discurso por encima de la forma. Cinco hombres y cinco mujeres con los que he tenido el placer de trabajar e inevitablemente han influido en mi forma de trabajar: Roanne Adams, Natalie Herrera, Vicky González, Noemie LeCoz, Tadeu Magalhäes, Quim Marin, Tida Tep, Marcel Lladó, Javas Lehn e Ivan García.

¿Cuáles son los diseñadores que te interesan actualmente? ¿Existe alguien referente para tu trabajo?
Busco referencias completamente fuera del ámbito del diseño. Me fascinan los Tumblrs con colecciones de fotografías de piezas de arte conceptual hasta tal punto que me encantaría vivir dentro de ellos y elaborar los conceptos solamente a través de las sensaciones que transmiten. Sin palabras.

¿Recibió tu pensamiento influencias fuera del diseño?
Durante mi adolescencia formé parte de una banda de punk. El requisito y común denominador de nuestro discurso era: ser mujer e ir en contra de lo que fuera. Doce años más tarde, y con una actitud mucho más descafeinada, sospecho que aún sigo resistiéndome a hacer las cosas tal y como se espera que las haga y a ser una más de la manada.

¿Cómo es el proceso en el desarrollo de tu trabajo?
Es imposible definir un único proceso de trabajo cuando tu tipo de clientes y proyectos son tan diferentes entre sí. Me guío en gran parte por la intuición y la mayoría de veces el método se construye sobre la marcha. A grandes rasgos? Análisis del encargo, del cliente, de la competencia y del cliente final. Búsqueda del concepto o discurso a través de palabras y/o sensaciones visuales. Y finalmente materialización.

¿Cómo definirías el diseño que realizas?
¡Qué difícil!

Categoría: Diseño Gráfico, Entrevistas

Barb Choit

noviembre 28, 2015

To start from the beginning, How did everything started for you? What was your first approach to the arts?
I started making art when I was very young. I spent most of my time drawing. I decided that I wanted to be an artist even before I was in school. I used to have a problem with drawing arms. I would just draw people with big hands. Yet… I was encouraged.

What is the importance of the art history in your work? Do you admire works or artists that influenced your ideas about art?
After getting my MFA from CalArts, I obtained an MA in Modern Art and Critical and Curatorial Studies at Columbia University. At Columbia, the Curatorial Studies program is part of the Art History program. I was lucky to study with a number of influential art historians such as Benjamin Buchloh, Rosiland Krauss, Jonathan Crary and Anne Higonnet. For my thesis project, I researched theories of collecting. My final project dealt with the history of collecting by both individuals and museums. Most of my major projects have started by developing collections of objects.
I am currently working on a series of photographs combining elements from contemporary product photography and 17th Century Dutch still life painting. They reference the pronkstilleven, a particularly ostentatious subgenre of still life painting commissioned by wealthy merchants to show off their goods. Art historian Hal Foster writes about these types of images in relation to the beginnings of transcontinental trade, colonialism, and fetishism. My current work is influenced by his discussion.

What are the artists that you like nowadays?
I have always been interested in games played by seventies conceptual artists and influenced by the aesthetics of the pictures generation—whether or not this is expressed in what I produce. In relation to my new projects, I have been thinking about the work of Marilyn Minter and Laurie Simmons. I was recently in a show with Betty Tompkins, who I think is amazing.
The impetus for my current series was the film Stilleben, (Still Life) by the late German artist Harun Farocki. In his film, Farocki compared 17th Century Flemish still life painting to contemporary commercial product photography. He claimed that today’s photographers working in advertising—depicting objects from everyday life—are the still life painters of our time.
I am currently looking at a lot of 17th Century Dutch still life paintings, more so than contemporary art.

Did your work receive influences from other disciplines?
In addition to art history, I am influenced by archaeology.
My first major project, The Division Museum of Ceramics and Glassware, was a play on the archeological importance of pottery shards. A decade-long commitment, from 2004 – 2014, I began collecting dishes broken through everyday use from family, friends, and colleagues. My idea was to give commonplace objects historical importance by collecting a large number of them. I opened an exhibition space in Chinatown, New York, to exhibit my broken items. Using archaeological archiving techniques, I produced several photography projects documenting my collection. I created a series of performances playing on institutional forms of community engagement.
I have tasked myself to preserve my broken items indefinitely. I have boxes filled with every shard of ceramic or glass that I collected over a period of ten years. I like to think that one day a future archaeologist with discover my idiosyncratic collection. He or she will piece together a story of our current society from these remains.

What is the process of developing your work like?
I have a big folder labeled “Unfinished Projects” on my computer. I currently have twenty-eight projects that I play around with sporadically. They are in various states of completion. Some of them just need a deadline to manifest themselves. Some are so old that I think that there is probably a good reason that the public has never seen them. Most of my projects are based around accumulating objects and images. The accumulation process starts at this level. If the project entails collecting actual things, there is usually a corresponding filing box in my studio or storage space filled with real objects. Generally, when I have a show, I move one of these subfolders from my main “Unfinished Projects” folder to my “Current Projects” folder.

How would you define your work?

Categoría: Arte, Entrevistas

SANGREE (René Godínez Pozas & Carlos Lara)

septiembre 29, 2015

¿Cómo entraron realmente en el ámbito del arte? En la producción artística.

R: A los 13 años me fui a vivir a la ciudad de Cuernavaca en Morelos, antes vivía en el DF. Recuerdo que cuando llegué tenía mucho tiempo libre pues ya no tenia que pasar miles de horas en el coche transportándome de mi casa a la escuela y viceversa. Mis papas me inscribieron en unas clases de pintura en un centro cultural. Y ahí comenzó todo.

C: Siempre me ha gustado dibujar. Desde chico he tenido el interés por hacer, pintar o construir algo. Por supuesto siempre estuvieron los talleres y cursos de verano pero creo que el punto decisivo fue un día que me di cuenta de que estaba perdiendo el tiempo en la escuela en la que estaba. Decidí dejarla y entrar a la escuela de arte.

¿Cuáles fueron las primeras obras de arte que recuerdan que les impresionaron?

R: de niño tenía un libro de H.R. Giger que me fascinaba! 

C: En la secundaria, un día una maestra llevó unas fotos de pinturas. Durante mucho tiempo quedé obsesionado con A Bigger Splash de David Hockney. La veía todo el tiempo.

¿Cuáles son los artista que les interesan actualmente? ¿Existe alguna obra referente para su trabajo?

R: Hoy es super fácil ver el trabajo de muchos artistas en internet. Mi herramienta favorita es el Instagram. Algunos de mis artistas favoritos/cuentas son @kenkagami, @sebbazillion,  @angel_cum, @ytinifninfinity, @charlara, @pjrountree, @1080mhz, @michaelpybus, @liverichmedia, @maga_quintessa, @grupo_anan, @raggedy_joker, @cremance_, @superchillandcool420, @kyliejenner, @emrata,, @buddhastears, @james_ulmer, @elisaestrada, @jonasbrwood, @claygibson, @radamesjuni, @artist6666, @selenagomez, @_ottmar, @toplessbreeze, @elcharlycheese, @markwehberg, @kbernhardt2014, @eizagonzalez, @gastronautadf, @icallb, @freddybiz, @snoopygrams, @prehistoricofamericas, @katsu_fan, @uberfacts, @puppiespuppieswoof, @temporarytattoostudio, @petrafcollins, @vvcas, @mileycyrus, @kimkardashian, @half_man_half_biscuit, @onderdonxx, @angelicaaal, @mmmlunar, @nasagoddard, @isaurohuizar, @zachfeuer, @ryandelahoz, @proyectosultravioleta, @s___h___, @ccccaaaassss, @monsterenergy, @stefanbenchoam, @ixchel212121, @aurel_sex, @dberruecos, @badgalriri, @jasonnocito666, @290880, @jonrafman,, @petersutherland, @robertosanchezz, @rodrigo___h, @timobarber, @marmase, @ermsy, @daddyissues_, @mexicanjihad, @jungemilyxx, @zef_alien, @the_cable_guy, @omweekend, @angelahuete_, @je_andre, @officialseanpenn, @tony.weungartner, @homepoke, @nicolasparty, @jillatequilaaa, @dkaramazov12, @austinlee, entre otras. 

Un referente en mi trabajo es el Museo de Antropología e Historia. 

C: Ciertamente algunas de nuestras piezas hacen referencia a la cultura prehispánica sin embargo, hay otras piezas que surgen de otras partes muy distintas.

Y de artistas supongo que hay varios, los que me vienen a la mente ahora son: Maxime Guyon, David Rappeneau, Timur Si Qin, , Germes Gang, Thomas Mailander, Brad Phillips,  algunos amigos como, Rodrigo Hernandez, Christian Camacho, Manuel Solano, Victor Barragán…

¿Cómo es el proceso en el desarrollo de su trabajo?

Por lo general, cuando hacemos una pieza, siempre es la primera vez que trabajamos ese material o ese medio, entonces nunca estamos muy seguros como va a quedar. A veces es un poco estresante pero al mismo tiempo siempre ayuda a que la producción sea más interesante. Muchas veces el resultado final es muy diferente a la imagen que teníamos en mente, pero eso es bueno.

¿Cómo definirían el arte que realizan?

Arte del futuro

Categoría: Arte, Entrevistas
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Elsa Louise Manceaux

septiembre 11, 2015

Para comenzar por el principio ¿Cómo entraste realmente en el ámbito del arte? En la producción artística.

Empece a dibujar desde muy joven porque era algo que podía hacer durante horas sin aburrirme. Creo que el aburrimiento puede alimentar la creatividad de uno. Luego tuve una experiencia impactante a los 17 años, cuando fui a hacer un ‘internship’ en la Cittadellarte/Fundación Pistoletto en Italia. Era la primera vez que me familiarizaba tanto con artistas profesionales, en residencia con sus estudios. Me recuerdo del recorrido que nos dio Michelangelo Pistoletto de su colección de Arte Povera, y ver una escultura de Giovanni Anselmo, un pequeño monolito de granito con una ensalada fresca. Cada semana, el cuidador caminaba por el lugar con una ensalada en sus manos, para reemplazar la ensalada anterior. Esa vision fue una de las multiples experiencias—entonces muy raras para mi—que tuve en este lugar. Vivía dentro de la realidad mas extraña que había conocido en mi vida. Era la primera vez que me encontraba en un lugar concebido para que el arte y la vida existieran en el mismo plano. Dos meses después, empezaba la escuela de arte.

¿Cuáles son tus referencias? ¿Admira obras o artistas que influyeron en tus ideas sobre el arte?

Los primeros artistas visuales que fomentaron mi interés en el arte fueron vanguardistas, y obras visuales que para mi desdibujaban la frontera entre arte y vida: dadaístas, surrealistas, Kasimir Malevich, Kandinsky y Paul Klee. En Fluxus y sobre todo en la obra de Robert Filliou, he encontrado una importancia por los multiples y los libros de artista. ‘Teaching and Learning as Performing Arts’ —> top 5.

También desde temprano me interesaron los dibujos de prensa y el trabajo de los caricaturistas satíricos. Me identifico con ese tipo de humor, medio sucio, que puede romper tabus, sin vergüenza. Ademas, fue mucho a través del cine y la fotografía que empece a reflexionar en torno a la imagen y a relacionar distintos géneros: cine y collage, pintura y narrativa, fotografía y documentación, documento o ficción. Desde Agnès Varda hasta Sergei Paradjanov, pasando por Jeff Wall y Fishli & Weiss.

¿Cuales son los artistas que te interesan actualmente? ¿Existe alguna obra referente para tu trabajo?

Actualmente, en relación al trabajo, me interesan estéticas de varias épocas: la de la edad media por ejemplo, porque son imágenes realizadas antes de la invención de la perspectiva, cuando todavía la representación humana era algo aproximativo y deformado. O en el estilo Barroco, por ser una referencia histórica de la distorsión y de la exageración. De ahi, trazo una relación con la caricatura o el comic, entre ‘carga’ y ‘síntesis’. Entonces para mi se vuelve relevante mirar a las esculturas de Franz West por ejemplo, a las pinturas post-67 de Philipp Guston, los dibujos de Dieter Roth y recientemente, la obra de Sigmar Polke. En Polke existe esta cosa del pintor anti-pintor, una mirada de la realidad aguda y a la vez una calidad de trabajo casi-mística. Polke, entre otros, me ha llevado a pensar que la pintura es una mezcla extraña entre ‘ser cuidadoso y no ser cuidadoso en absoluto’ (solo que la parte del ‘no ser cuidadoso en absoluto’ es la que está difícil.)

Al intentar producir arte ¿Cuál crees que es el recurso más importante con el que puede trabajar un artista?

Creer en su propio trabajo.

¿Cuál es tu definición de arte?

A : — ¿El estado sensible del mundo?

B : —  Mucha libertad!

C : — Justeza y riesgo.

D : — Una precisión inexplicable…

A, B, C y D (suspirando juntos) : — Nunca lo vamos a saber, por eso los artistas siguen buscando.

Categoría: Arte, Entrevistas

Nicolas Sassoon

junio 17, 2015

To start from the beginning, how did everything started for you? What was your first approach to the arts?

My first conscious approach was at 17 when I started after-school art classes, but everything began much earlier in the 90s with videogame consoles and home computers. Computer graphics were present very early on and they have always existed on the same plane as painting or cinema in terms of hierarchy of experience.

That you remember, what were the first works of art that impressed you? Do you remember any artist that impressed you?

The first images that left a strong impression were mainly screen-based; the graphic interface of the Apple Macintosh, the Gameboy screen, the Atari 2600 pixels seen through a CRT monitor. During high school and for the bigger part of my art school years I collected VHS of horror and science fiction film; 80s Italian horror (Giallos from Dario Argento, Lamberto Bava, Lucio Fulci) and American horror (John Carpenter, Sam Raimi, David Cronenberg). I wasn’t particularly exposed to Fine Arts when I grew up and artists came much later into my aesthetic registry. Jesus Rafael Soto and Bridget Riley would be some of the first important ones.

Who are the artists that you like nowadays?

The ones resisting.

Did your work receive influences from other disciplines?

Motion graphics, horror and science-fiction literature, the Vancouver electronic music scene, anything related to water.

What is the process of developing your work like?

It depends on the project; most of my animated work is a mix a methodology as well as trial and error. When I work on screens a lot of attention goes towards how my work exists within that space. When I work with physical space I tend to produce site-specific installations, in continuation with my screen-based approach.

How would you define your work?

Nerdy and contemplative.

Categoría: Arte, Entrevistas

Victoire Barbot

junio 9, 2015

To start from the beginning, How did everything started for you? What was your first approach to the arts?

I think everything started when I could be able to hold a pencil in my hand and start to draw.

It has been the best way for me to express myself, way before to use language.

About sculpture, my first approach has been probably in kindergarden school when my teacher gave a block of stone and some tools to digging it.

Quite small, I was already fascinated by the objects collected by my family, the analytical drawings of my grandmother.

What is the importance of the art history in your work? Do you admire works or artists that influenced your ideas about art?

The art history is important for me to understand where I am, and inevitably its study allows me to put words to what I do. Of course, it influences but what is excitant.

Of course, I’m looking for it. I look more than I read, I watch a lot, online, in museums, galleries, but first of all around me. This is the best influence.

Art history is important to know where I am going, to make words about what artist are doing, is it really important for me, I don’t know.

I have a practice of a collector, I collect materials to make assemblage; I do lists; one of them, is a list of artists that I look at. It’s such a big list, Robert Rauschenberg (the Jammers serie is uuuuu), Joseph Cornell, Robert Filliou, André Breton, Marcel Duchamp, Lawrence Weiner, …but also Henri Matisse…

I can’t stop actually. 

Oh! and El Lissitzky drawings for sure.

What are the artist that you like nowadays?

Should I Make a scan of this list?

Thea Djordjadze, Gedy Siboni, Abraham Cruz Villegas, Helen Mirra, Lisa Holzer, Andy Coolquitt,  Annette Kelm, Marlie Mul, Callum Innes, Uri Aran, Ian Law, Olga Balema, Sarah Tritz, Manfred Pernice, Artschwager…

What is the process of developing your work like?

It’s definitely a process.

First I watch, then I collect, I assemble, I balance, I hold, I draw to fixe the action, and I tidy up, I order, I stabilize, and I redraw again, recently I pack, I built, I represent.

First step is under control, simple gesture. It is an art of experience.

How would you define your work?

Sensibly Methodical.

Categoría: Arte, Entrevistas

Armando Rosales

junio 8, 2015

¿Cómo empezó todo para ti? ¿Cuál fue tu primer acercamiento a las artes?
Mi primer medio expresivo fue la música, accidentalmente termine tocando batería, eso derramo de muchas otras sensibilidades que tuve que justificar, dibuje, pero teniendo una relación con el cuerpo lo tridimensional logro resonar mas.

¿Cuáles son tus referencias? ¿Admira obras o artistas que influyeron en tus ideas sobre el arte?
A line made by walking de Richard Long. Valoro su simplicidad, eso es algo bastante distinto a como me acerco al arte.

¿Cuáles son los artistas que te interesan actualmente? ¿Existe alguna obra referente para tu trabajo?
No puedo contestar claramente esta pregunta, soy muy desorganizado en ese aspecto. Todo tiene referentes, sinceramente no me preocupa mucho manejarlos, aunque que creo muchas veces una referencia es mas valiosa como pista para saber que no hacer.

¿Recibió tu pensamiento influencias fuera del arte?
Definitivamente de la música y también del cine, me interesan como ejemplos del uso del espacio y el tiempo. No puedo dejar de mencionar la física y el ejercicio, como brechas y posibilidades de lo narrativo.  En resumen de la realidad en general, de las constantes humanas y de la reiteración “científica” de preguntarme como funciona todo. 

Al producir arte ¿Cuál crees que es el recurso más importante con el que puedes trabajar como artista?
Poder articular mi intuición.

¿Cómo definirías el arte que realizas?
Decantaciones, interferencias y paréntesis, la tensión entre dar y quitar.

Categoría: Arte, Entrevistas

Ana Navas

mayo 31, 2015

Para comenzar por el principio ¿Cómo entraste realmente en el ámbito del arte? En la producción artística.

Empezó, pienso que como para muchos artistas, como un interés que tuve oportunidad de profundizar poco a poco: visitas a museos, clases de dibujo, fotografía, finalmente el emocionante momento de hacerlo mi educación formal. 

¿Cuáles fueron las primeras obras de arte que recuerdas que te impresionaron?

Recuerdo muy bien una visita al museo de Bellas Artes de Caracas, donde se exponía al venezolano Armando Reverón. Me encantó una mantilla muy fina que mostraba un paisaje de la Plaza Bolívar de Caracas y me impresionó su libertad de crear lo que necesitaba, por ejemplo, que las modelos de aquellos cuadros no fueran necesariamente mujeres, sino muñecas de tamaño real fabricadas por él.  

¿Cuáles son los artista que te interesan actualmente? ¿Existe alguna obra referente para tu trabajo?

Actualmente, la lista que me acompaña tiene nombres como Brancusi, Mike Kelley, Michaela Meise, Renzo Martens, Ed Ruscha y muchos más. Sin embargo, creo que mis amigos artistas son mi mayor influencia. Es más interesante para mi tener la oportunidad de relacionar la persona, sus intereses, virtudes, defectos, obsesiones y rutinas con un resultado artístico. Todos estos encuentros, son referentes conscientes o inconscientes para mi trabajo. 

¿Cómo es el proceso en el desarrollo de tu trabajo?

Escribo para mi y muy desordenadamente. Releo constantemente esas notas tratando de entender qué tienen en común, qué las enlaza. De esos encuentros, sensaciones, ideas, puede surgir una pieza, pero no la veo como algo definitivo. Un “resultado” puede generar otra versión, (re)ubicarse en otra constelación, trabajo a menudo en series. Me gusta pensar en el proceso como un desarrollo orgánico, una investigación constante que no se define exclusivamente en los límites de un proyecto.

¿Cómo definirías el arte que realizas?

Tal vez tengo temor a encasillarlo, pero no me siento en capacidad de definirlo en términos de categorías. Gran parte de mi obra gira en torno a procesos de asimilación (por ejemplo de la etnografía o de movimientos artísticos) y su transformación en diseño, estética popular o consumo. Cómo suceden estos procesos y cuáles son los contextos (históricos, sociales) que los acompañan son algunas de las preguntas que planteo en mi investigación.

Categoría: Arte, Entrevistas

Anamaya Farthing Kohl

mayo 29, 2015

To start from the beginning, How did everything started for you? What was your first approach to the arts?

Through lying. There used to be an ogre behind the chest of drawers in the closet under the stairs. Brains of vaseline, hair of a unwound sweater, his breath the humming of the washing machine, his digestion the creaking of the stairs.  I would show these artifacts to the younger kids in my neighborhood, but I lived with him and somehow ended the only one scared. I still run frantically up stairs.

That you remember, What were the first works of art that impressed you?  Do you remember any artist that impressed you?

A quilt made by the women of Jackson Mississippi given to my grandma during her research at the library there. Black women wearing ties, lined up with the same contrapposto, each winking through their differences in fabric. These ridiculous porcelain rococo lamps at my great grandmother’s house in Miami, I was totally enchanted by the rosy cheeks and tiny feet of the two distant illuminators. The rats from the nutcracker.  

What are the artist that you like nowadays?

A bunch, recent internet searches:

Brittni X. Butta, the Yes Men, Sol Lewitt, Bruce Connor, Maya Deren, Eva Hesse, Bob Camp, Victor Grippo

What is the process of developing your work like?

It changes, mostly from an admiring the banal, and wanting to pay some sort of homage to it. Maybe desiring the power in its’ trickery.  To somehow enlist with the unimportant or not legitimate, and wear its’ mask for an afternoon.


How would you define your work?

Looking for comradery, intimacy, fellowship, through anonymity.

Categoría: Arte, Entrevistas

Mars Antonelo

mayo 25, 2015

Para comenzar por el principio ¿Cómo entraste realmente en el ámbito del arte? En la producción artística.

Cuando tenía 18 años me fui un año de intercambio al Este de la India a una ciudad pequeña que se llama Bhubaneshwar en donde estuve en una escuela de artes clásicas y danza. Después regrese con la inquietud de estudiar cine pero conseguí una beca para estudiar artes visuales. Así que para el momento en que tuvimos la muestra de cierre de primer semestre, quede atrapado por la violenta y seductora experiencia de producir, montar y mostrar.

Quizá el primer evento-simulacro que se sintió “real” dentro del ámbito del arte (sea lo que sea que esto quiera decir) fue una exposición que hicimos con La Orgía (un colectivo al que pertenecí por 4 años) titulada “3 x 35 pesos” que realizamos en un club de renta de películas (Videodromo) y contamos un roster que a la fecha sigue siendo muy interesante. 

¿Cuáles fueron las primeras obras de arte que recuerdas que te impresionaron?

Como desde chiquillo quise hacer cine, luego, luego me sentí enganchado por Nauman, Barney y Mccarthy. Después creo que dure un buen rato en el estire y afloje con R. Serra y Baldesarri.

Pero realmente no existe una pieza clave. Lo que siempre me ha parecido más estimulante y seductor son los momentos del arte en que la producción existe como relato, como narrativa, como una mentira que permite realizar una serie de señalamientos críticos hacia verdades varias… Ese momento en que alguien te platica de la pieza pero que no la ves, que quizá ni existe…. Que si Beuys era piloto y en la guerra lo derribaron y un pueblo lo salvo haciendo uso de los materiales icónicos de su obra… ¡Eso es lo que más me gusta! 

Las tesituras que te ofrece la mentira.

¿Cuáles son los artista que te interesan actualmente? ¿Existe alguna obra referente para tu trabajo?

Existen muchos artistas que me gustan, afectan, retan e influyen, pero desde hace un tiempo he buscado que mi trabajo se aleje de realizar menciones especificas o de confrontar directamente a los otros productores que se encuentran muy cercanos a mis intereses y formalidades. También me puse de regla el no estar al pendiente de blogs, revisas de arte, pinterest, instagram… Las referencias se convirtieron en una clase de sobrepeso; Consumir era muy rico, pero siempre acababa con mal del puerco.

Así que actualmente estoy a dieta de referencias.

¿Cómo es el proceso en el desarrollo de tu trabajo?

Últimamente he pensado que mi quehacer artístico se asemeja mucho a la cacería. Al igual que los cazadores, mi práctica artística me consume más tiempo y dinero que mi profesión y mi sala también está repleta de piezas de diferentes puntas.

Me gusta mucho la idea de irte durante un fin de semana a una torre en medio de la nada en silencio a esperar a que algo -a lo lejos- aparezca y que con las pocas balas que tienes, puedas pegarle un balazo a un objetivo siempre salvaje, siempre en movimiento.

Después lo tienes que abrir y limpiar, que no son rituales simples.
Y por ultimo tienes que decidir que vas a hacer con el: disecarlo o comértelo.

¿Cómo definirías el arte que realizas?

Mi producción artística es la presentación formal de una serie de mentiras poéticas que me permiten retratar el imaginario fotográfico con la intención de revelar el andamiaje político, económico y social de la imagen.

Categoría: Arte, Entrevistas